выставка при храме христа спасителя русские художники
Выставка при храме христа спасителя русские художники
18 марта открылась динамичная выставка «Импрессионизм и модерн в русском искусстве».
Импрессионизм — наблюдение за непостоянством и попытка запечатлеть его на полотне. Мы хотим, чтобы зритель не просто познакомился с импрессионизмом в живописи, мы хотим, чтобы каждый посетитель смог проникнуть в самую суть этого явления.
Вся экспозиция подчинена принципу постоянного движения и внутренней динамики. Как живой организм, композиция полотен и их развеска в пространстве двух залов меняется на протяжении всей выставки. Новые полотна будут возникать и исчезать во времени, сменять друг друга и снова появляться, но уже в совершенно новом месте, а иногда исчезать и вовсе насовсем. Поэтому, вернувшись в галерею через месяц, вы сможете увидеть совершенную другую, не похожую на прежнюю выставку русских живописцев.
На этот раз мы решили отказаться от традиционного формата проведения вернисажа для того, чтобы передать настроение экспозиции в атмосфере тихого, неспешного созерцания, на территории, свободной от слов и суеты, где лишь ваши мысли станут гидом по живописи импрессионизма и модерна. Знакомство будет проходить непосредственно между зрителем и экспозицией, наедине, без посредников, без отвлечения. Чистое созерцание и погружение в мир импрессионизма.
Вещилов Константин Александрович «Дерево».
«Импрессионизм и модерн в русском искусстве».
«Центр Искусств. Москва» продолжает цикл выставок, посвященных вехам в истории искусства, и представляет новый выставочный проект «Импрессионизм и модерн в русском искусстве». Более 50 произведений охватывают историю русского искусства 1890-х – начала 1940-х годов, среди имен – К. А. Коровин, И. Е. Репин, Б. Д. Григорьев, Н. С. Гончарова, П. П. Кончаловский, К. А. Вещилов, Н. К. Рерих, С. Н. Рерих, В. И. Суриков, А. П. Рябушкин, А. К. Богомазов, Л. С. Бакст, Б. М. Кустодиев, В. И. Шухаев, А. Е. Яковлев, Г. А. Пожидаев, В. К. Бялыницкий-Бируля, И. И. Бродский, В. С. Сварог, А. В. Исупов, В. М. Васнецов, А. Я. Головин, И. Э. Грабарь, А. В. Куприн, В. В. Лебедев, О. Э. Браз, С. В. Герасимов, Тамара де Лемпицка, И. Ф. Шультце, Л. Ю. Крамаренко, А. В. Шевченко и другие.
Выставка посвящена основным путям развития русского искусства на рубеже веков, а также определяющей роли модерна и импрессионизма в становлении русского авангарда. Модерн и импрессионизм имеют разные истоки, однако, оба направления объединены тенденцией к обобщению образов и вниманию к цвету как важному художественно-выразительному средству живописи.
Продолжая традицию, «Центр Искусств. Москва» экспонирует произведения искусства именитых и редких художников из частных коллекций. Наследие целой плеяды замечательных живописцев эпохи пока остается малоизученным и незнакомым широкой публике. Актуальность выставки подчеркивается тем, что 2021 год станет юбилейным для многих художников. В 2021 году исполняется 160 лет со дня рождения Константина Коровина, 145 лет – со дня рождения Петра Кончаловского, 140 лет – со дня рождения Натальи Гончаровой, 135 лет – со дня рождения Роберта Фалька.
В 1874 году в Париже прошла первая выставка импрессионистов. В том же году в Париже в рамках пенсионерской поездки проходили обучение Василий Поленов (1844 – 1927) и Илья Репин (1844 – 1930). Из мастерских этих двух художников вышло следующее поколение русских живописцев, творчество которых развивалось в русле модерна и импрессионизма. У мастера пленэра Поленова учился блистательный русский импрессионист Константин Коровин. Первой импрессионистической картиной считается его работа 1887 года. Для самого яркого художественного объединения рубежа веков – «Мир искусства» – подготовили почву Михаил Нестеров и Василий Суриков, обращавшиеся к русской истории. Ретроспективизм стал одной из характеристик живописи модерна, наряду с идеей красоты как основы творчества. Картины Нестерова и Сурикова представлены в экспозиции «Центра Искусств. Москва». У Репина учились Осип Браз, Исаак Бродский, Василий Сварог, Борис Кустодиев, Константин Вещилов. Браз, Бродский и Кустодиев выставляли свои произведения в рамках объединения «Мира искусства». Бродский и Сварог стали признанными советскими мэтрами живописи.
С именем Архипа Куинджи (1842 – 1910) связан другой путь развития русского искусства. По выражению Репина, «иллюзия света была его богом», которую он передал своим ученикам и последователям-членам Общества художников имени А. И. Куинджи. Светоносную традицию живописи продолжили Иван Шультце, Константин Вещилов, Николай Рерих, Витольд Бялыницкий-Бируля. Выставка «Импрессионизм и модерн в русском искусстве» великолепно иллюстрирует эту страницу истории русской живописи произведениями вышеперечисленных мастеров.
Экспозиция демонстрирует следующие наиболее радикальные изменения в русском искусстве начала XX века, когда интерес к модерну и импрессионизму сменила идея тотального господства цвета как ведущего художественно-выразительного средства, подчеркивающего материальность, а не сиюминутность бытия. В мастерской Константина Коровина учились будущие мастера постимпрессионизма и авангарда, среди них — Роберт Фальк, Павел Кузнецов, Наталья Гончарова, Сергей Герасимов. Кончаловский, Гончарова и Фальк стали пионерами раннего авангарда, выставлялись в рамках художественного объединения «Бубновый валет». Другие ученики Коровина – Алексей Исупов и Сергей Герасимов – развивали традиции пейзажной живописи на стыке импрессионизма и модерна.
Выставка «Импрессионизм и модерн в русском искусстве» «Центра Искусств. Москва» полно отражает обширное многообразие путей развития русского искусства конца XIX – первой трети XX века.
Рождение импрессионизма в России
В 1874 году в Париже на бульваре Капуцинок состоялась выставка молодых французских художников, картины которых были отвергнуты академическим Салоном. Полотно «Впечатление. Заход солнца» Клода Моне дало название течению в искусстве. Критик Луи Леруа из журнала «Ле Шаривари» назвал художников «впечатленцами» (импрессионистами). В 1874 году во Франции в рамках пенсионерских поездок работали Василий Поленов и Илья Репин. Манера письма и сюжеты полотен позволяют относить часть художественного наследия Репина и Поленова к протоимпрессионизму. Впоследствии Поленов войдет в историю как мастер пленэрной пейзажной живописи и учитель самого известного русского импрессиониста – Константина Коровина. Пейзажи Поленова исполнены света, что совпадало с его творческим кредо: «Мне кажется, что искусство должно давать счастье и радость, иначе оно ничего не стоит» (из письма 1888 года к В. М. Васнецову). Илья Репин был близок к импрессионизму как к художественному методу на определенных этапах творческого пути, хотя он сам отвергал «акробатику кисти, живописность ради живописности». В разное время у Репина проходили обучение художники – Осип Браз, Исаак Бродский, Василий Сварог, Борис Кустодиев, Константин Вещилов, Филипп Малявин. Выбор сюжета, пластичность и широкая манера письма были характеры некоторым ранним и поздним произведениям мастера. Одно из них – «Маруся» 1924 года – представлено на выставке.
Илья Репин. Маруся. 1924
Блистательный русский импрессионист Константин Коровин, с одной стороны, развивал художественные эксперименты на пленэре Поленова, с другой – органично воспринял и переосмыслил новации современной европейской живописи. В конце 1870-х годов в творчестве Коровина появляются этюды Парижа, созданные по рассказам Поленова. Французская столица с ее динамизмом большого города стала одним из самых ярких мотивов творчества Коровина, который он пронес через всю жизнь, и продолжал писать, находясь в эмиграции. В таких работах мастер наделяет фактуру и цвет сюжетной выразительностью. Один из парижских видов представлен на выставке. Атмосферу парижского утра Коровин передает с помощью сложного колорита, построенного на сочетании синих, зеленых, розовых, сиреневых цветов. Искусствовед А. Я. Головин (1863 — 1930) считал, что лишь немногие французы могли конкурировать с Коровиным в изображении Парижа. Находясь в тягостной для художника эмиграции, мастер писал:
«Конечно, хотя я пишу и Париж, пишу красками и нахожусь в Париже, но душой живу больше в Охотине, и вижу, как теперь опали листья сада, пахнет сыростью, землей и осенними листьями, а в бочку кладут рубленую капусту и засаливают грузди, и будто я ем рыжики в сметане. У сарая нахохлились от дождя куры. Дорога грязная и в воздухе слышен запах дыма от овина и стучат цепи — молотят рожь»
(из письма Коровина к Федору Шаляпину от 27 октября 1938 года).
Коровин с присущей ему пленэрно-импрессионистической манерой письма чутко передавал переходные состояния природы и на Родине в России. В 1897 году он приобрел у мецената и покровителя Саввы Мамонтова землю на берегу реки Нерль во Владимирской губернии. Деревня Охотино стала для Коровина центральным объектом зарисовок и пленэрных штудий. Светлый или темноватый колорит пейзажных деревенских работ того периода отражает лирическую наполненность пейзажа.
Считается, что именно в Охотино возник особый поджанр в творчестве Коровина, получивший название «ноктюрн». По вечерам близкие Коровина собирались в доме, а мастер писал этюды. Еще в 1889 году, по словам Елены Поленовой, мастер начал задумываться над тем, «чтобы выходила не живопись, а музыка». Энергия мазка и тональность колорита Коровина делали из его полотен живопись музыкального свойства.
Мастер света Константин Вещилов
Константин Вещилов – один из самых ярких и многосторонних талантов рубежа веков. Ученик И. Е. Репина. Выпускник Академии художеств в Санкт-Петербурге (золотая медаль, 1904 год, лауреат пенсионерской поездки в Рим). Художник Морского министерства, автор полотен, посвященных русско-японской войне. В наследии Вещилова – полотна на исторические, бытовые сюжеты, портреты, натюрморты и пейзажи. В 1922 году мастер эмигрировал сначала в Италию, потом во Францию и впоследствии в Нью-Йорк.
В период до эмиграции наследие мастера состояло преимущественно из исторических полотен и картин бытового жанра. Пейзажи отличались сероватым колоритом. Вещилов-колорист раскрылся благодаря поездкам на юг и созерцанию яркого контрастного южного освещения. В историю искусства он вошел как мастер русской школы люминизма (лат. lumen – свет) наряду с А. И. Куинджи и И. Ф. Шультце. В 1905 году художник был удостоен премии Куинджи. Природное колористическое дарование художника и быстрая широкая манера письма, которой он научился у Репина, в полной мере обнажили талант Вещилова в постэмиграционный период. Свет и цвет стали главными героями картин мастера. Живопись Вещилова пользовалась громким успехом в Париже и Нью-Йорке.
Константин Вещилов. Натюрморт. Гурзуф. 1910 – 1920-е годы
Константин Вещилов. Натюрморт. Гурзуф. 1910 – 1920-е годы
«Яблоневый сад» Петра Кончаловского
С мастерской Коровина были связаны другие талантливые художники: Алексей Исупов, Наталья Гончарова, Сергей Герасимов. Их произведения представлены в рамках выставки. Многие ученики развивали в своей живописи импрессионистическое направление, другие возглавили авангард в искусстве. Творческое объединение раннего авангарда «Бубновый валет» экспонировало произведения Кончаловского, Гончаровой и Роберта Фалька. В рамках проекта «Импрессионизм и модерн в русском искусстве» представлены четыре работы Петра Кончаловского, отражающие его творческую эволюцию: от ранних импрессионистических увлечений («Поле», 1907) через искания после распада «Бубнового валета» к соцреализму. Картина «Яблоневый сад» (1921) – квинтэссенция творческих поисков мастера. Художник так описывал работы этого периода: «В моих абрамцевских дубах есть еще, конечно, связанность живописи с сезанновскими методами, которыми я привык работать и с которыми сроднился. Но отношение к природе у меня было теперь другое, не-сезанновское. Страстно хотелось создать живой пейзаж, в котором деревья не просто торчат, воткнутые в землю, как это часто приходится видеть в современной живописи, а логически вырастают из земли, как у старых мастеров, чтобы зритель чувствовал их корни. А для этого надо было прежде всего логически построить каждое дерево также, как строится здание, от самого фундамента до крыши, от ушедших в землю корней до листвы верхушек».
Выставки «Художественные Сокровища России»
с 14 Ноября
по 14 Февраля
Центр искусств. Москва
ул. Волхонка, д. 15, вход через сквер Храма Христа Спасителя
Москва
14 ноября в Москве открылось новое уникальное выставочное пространство «Центр Искусств», созданное при участии внука музы Сальвадора Дали, Галы. Благодаря новейшим технологиям в музее создается голограммная синергия – сочетание зрительного, кинетического, звукового и интеллектуального восприятия классических произведений искусства.
Открытие «Центра Искусств» ознаменовалось эпохальной и выставкой русского изобразительного искусства величайших мастеров прошлого: «Художественные Сокровища России». Концентрация шедевров на квадратный метр здесь столь высока, что выставка обещает стать не только заметным культурным событием столицы, но и личным потрясением даже для самого искушённого зрителя. К тому же, эти полотна никогда прежде не выставлялись в музеях и не демонстрировались широкой публике.
Выставка проходит при поддержке Фонда Храма Христа Спасителя, а также Министерства культуры РФ, Департамента средств массовой информации и рекламы города Москвы, Департамента национальной политики, межрегиональных связей и туризма города Москвы, Департамента культуры города Москвы. Куратор выставки– Андриан Мельников, коллекционер, галерист, член Международной конфедерации антикваров и арт-дилеров
(C. I. N. O. A).
Экспозиция выставки “Художественные Сокровища России: от иконы до живописи модерна. Лучшее из российских собраний” поистине уникальна. Коллекционеры, эксперты и ценители искусства объединились для масштабного и благородного проекта.
Многие годы полотна величайших русских мастеров тщательно скрывали от посторонних глаз, поскольку исторические катаклизмы следовали один за другим: Первая Мировая Война, революция, эмиграции, репрессии, Вторая Мировая Война, нестабильные времена. Теперь же на время выставки шедевры наконец выйдут из тени, и у посетителей появится уникальная возможность созерцать столь ценное собрание.
Название выставки – «Художественные Сокровища России» – отсылает нас к одному из самых масштабных периодических изданий прошлого, посвящённых русскому искусству. Одноимённый журнал выпускался до революции по инициативе Императорского Общества Поощрения Художников. Самые яркие представители культуры того времени, литераторы, художники и меценаты объединились для издания журнала. Они провозгласили своей целью возрождение интереса к наследию старых отечественных мастеров, развитие художественной культуры и привлечение масс в сферу искусства.
По прошествии более ста лет круг российских коллекционеров продолжил дело художественно-просветительских объединений рубежа XIX-XX веков, прерванное историческими событиями.
Зрителя ждут более трех сотен экспонатов, включая не самые известные полотна кисти самых известных художников: Васнецова, Нестерова, Шишкина, Левитана, Куинджи, Айвазовского, Петрова-Водкина. Без сомнения, трепет вызовут и роскошные предметы интерьера, принадлежавшие представителям императорской семьи и блистательных дворянских фамилий, бережно хранимые и передаваемые из поколения в поколение, а также драгоценные иконы, которые спустя почти столетие странствий вернулись на родину, чтобы предстать перед публикой во всем своём великолепии.
Безусловно, выставка способна удивить как непосвященного, так и искушенного зрителя. Благодаря неакадемичному подходу к демонстрации академичных экспонатов, выставочное пространство совсем не похоже на музей. Помогал сделать пространство гармоничным внук музы Сальвадора Дали, Галы, дизайнер и архитектор Жульен Боаретто.
Инновационные технологии, гармонично внедрённые в экспозицию выставки, подняли культуру созерцания искусства на новый уровень: теперь и освещение, и звуковое сопровождение полотен способствуют тому, чтобы зритель не только впитал новые знания, но и ушёл с выставки потрясённым до глубины души.
Хранители памяти. Выставка «Художественные сокровища России». Часть 4
Аудио
– Рядом со мной картина Григория Семеновича Седова, образец живописи XIX века. О произведениях, в которых русские художники обращались к христианской тематике и которые представлены на выставке «Художественные сокровища России», мы поговорим сегодня в передаче «Хранители памяти».
Николай Игоревич Меркурьев, руководитель отдела религиозного искусства «Центр искусств. Москва»:
– «Видение отроку Варфоломею», часть вторая, – работа Михаила Васильевича Нестерова. Эта картина из цикла, посвященного деяниям святого преподобного Сергия Радонежского, и, возможно, одна из самых важных в творчестве художника.
В 80-х годах XIX века Нестеров посвящает этой теме цикл работ. В 1889–1890 годах он пишет первую часть композиции «Видение отроку Варфоломею». Это всем известная работа находится в собрании Государственной Третьяковской галереи. Вторая часть, написанная в 1917 году, представлена на этой выставке. Здесь Михаил Васильевич особое внимание уделяет пейзажной части – чувствуется влияние символистов, под впечатлением которых художник находился в этот период. Данная работа писалась близ Абрамцева.
Однажды Нестеров, выйдя на террасу своего дома в Абрамцеве, увидел потрясающий осенний пейзаж, который его вдохновил. Он писал о том, что наконец нашел тот самый идеальный пейзаж для работы «Видение отроку Варфоломею». Надо сказать, что перед написанием этой картины Нестеров делал массу подготовительных штудий, эскизов, то есть работа была очень напряженной и трудоемкой. В качестве модели выступал его сын Алексей Нестеров.
История картины очень интересна. Дело в том, что она была написана по заказу Федора Ивановича Шаляпина, великого русского певца. Шаляпин восхищался творчеством Нестерова и приобрел картину непосредственно у художника. После чего он увез ее в Париж, и она размещалась у него в квартире вместе с известной работой Кустодиева, где изображен сам Федор Иванович. Бытует мнение, что Шаляпин в разговоре с Нестеровым, увидев первый вариант работы «Видение отроку Варфоломею», спросил у него: «А что же было дальше?» На что Нестеров ответил: «Ты увидишь». И разработал новую композицию. Это не было заказом, это было творческое решение самого автора. На картине старец-монах пытается открыть духовный путь мальчику Варфоломею (так звали Сергия Радонежского в миру).
Ограничение в построении композиции перед фигурами, может быть, говорит о том, что это не путь, который уже закончен, а у этого пути огромное продолжение. Как будто персонажи останавливаются перед дверями, которые открывают весь мир.
Также в этом зале представлена работа Василия Дмитриевича Поленова, великого русского художника, творчество которого было неразрывно связано с христианской тематикой. В этом зале есть работа из цикла «Палестинские картины», это «Христос у Галилейского моря». Картина была написана во время второй поездки в Палестину по святым местам в 1899 году. Со слов дочери В.Д. Поленова, он привез из этой поездки массу эскизов, которые он называл «путь Христа в пейзажах». Это были очень интересные этюды, которые он выполнял на пленэре. Они охватывали колоссальную территорию.
Коллега Василия Дмитриевича, Владимир Маковский, заметил относительного этого цикла, что чистота Христа – как красота природы. Может быть, это было основной идеей, которую хотел передать сам художник в своих произведениях. Работая над этим циклом, он хотел перенестись сам и перенести зрителя в ту среду, природу и евангельские места, которые помнят жизнь Христа. Это был очень важный для него процесс понимания и постижения философии христианства.
Христианская тематика у русских художников воплощается в различных жанрах: в пейзаже, бытовых композициях, а также в картинах, связанных с историей православия. Одна из наиболее интересных работ, которые находятся в центре исторического зала сегодняшней экспозиции, – картина Григория Семеновича Седова. Это удивительный художник, мастер исторической живописи, который, к сожалению, прожил очень недолгую жизнь. Он скончался в возрасте 48 лет, под конец жизни совершенно ослеп и не мог полноценно работать.
На выставке представлена очень известная его работа, за которую в 1866 году он получил большую золотую медаль от Императорской Академии художеств. Эта работа называется «Обретение христианства князем Владимиром». Художник очень эмоционально передает некий драматизм и напряжение, которые присутствуют в сцене, когда греческий монах показывает князю Владимиру сцену Страшного Суда, изображенную на свитке. Это возникшее удивление и напряжение было потрясающе найденным решением автора. Он получил высшую награду императорской Академии, также был удостоен пенсионерской поездки за рубеж, после чего, в 1867 году, он уезжает в Париж, где продолжает работать в христианской тематике.
Он расписывает купол в парижской православной церкви, но, к сожалению, через три года слепнет на один глаз и в 1870 году возвращается в Москву. Три оставшиеся года своей пенсионерской поездки он проводит в столице, где расписывает храмы. В частности, известны его росписи в храме Святой Троицы у Покровских ворот в Москве.
В историческом зале представлены работы великих русских мастеров, таких как Тимофей Андреевич Нефф и Федор Антонович Бруни. Выставлена картина Неффа «Ангел молитвы», которая была написана для Николая I. Еще эту работу называют «Портрет Марии Николаевны». Художник действительно использовал при написании образ великой княгини Марии Николаевны. Эта работа имела огромный успех, была очень популярна. Сам Нефф неоднократно делал авторские повторы по заказам для домовых церквей и храмов.
Из числа работ, представленных на этой выставке, – два замечательных эскиза к росписи Храма Христа Спасителя на тему четырех Вселенских Соборов кисти Василия Ивановича Сурикова. Росписи являются точным повторением предварительных эскизов, выполненных маслом на холсте, которые находятся в собрании Государственного Русского музея в Санкт-Петербурге. Такие предварительные рисунки делает каждый художник.
Василий Иванович Суриков поступает в художественную Академию в 1869 году, блестяще учится и по ее окончании получает в виде исключительного права пенсионерскую поездку за границу для продолжения обучения. Но он ходатайствует о том, чтобы вместо этой поездки принять участие в росписи Храма Христа Спасителя. Я думаю, этот факт очень интересно характеризует самого художника.
Один из двух его эскизов иллюстрирует Первый Вселенский Никейский Собор, который был созван по велению императора Константина (он изображен в части этой композиции) и посвящен разоблачению ереси Ария. Эта тема достаточно сложная для молодого художника, но, как видно по сохранившимся эскизам и по «картонам», он блестяще справился с работой; в четырех приделах Храма Христа Спасителя находились большие фрески работы Василия Сурикова.
Второй эскиз показывает сцену из Третьего Вселенского Собора, где в центре композиции изображен Патриарх Кирилл Александрийский, который жестом руки как бы изгоняет еретиков из храма. Это очень важный сюжет, поскольку он отражает основную тему Третьего Собора. К сожалению, два остальных графических эскиза не сохранились, но уникальность двух представленных экспонатов совершенно очевидна. Работа была очень трудоемкой. Она осложнялась тем, что члены комиссии по строительству храма несвоевременно выплачивали гонорар художникам, к тому же Сурикову приходилось работать в очень сжатые сроки, что было для него непривычно. После этого опыта Василий Иванович никогда больше не работал на заказ. Он писал исключительно по творческому позыву.
– Мы завершили серию выпусков с выставки «Художественные сокровища России» из выставочного зала «Центр искусств. Москва», расположенного на территории Храма Христа Спасителя.
Автор передачи и ведущая Елена Чач
Записала Людмила Моисеева